Le punk est-il anarchiste ? En s'intéressant aux différentes facettes de la première vague punk qui déferle à la fin des années 1970, le chercheur et musicien Jim Donaghey nage à contrecourant dans les relations entre les deux mouvements. Révolte, provocation, critique des institutions, rejet de l'avant-gardisme et nécessité de s'organiser sans l'industrie du disque font-ils du punk une culture libertaire ?
« Si quelqu'un nous avait parlé de Bakounine, nous aurions probablement pensé qu'il s'agissait d'une marque de vodka. » Penny Rimbaud (Crass)
Le livre de référence sur la vie et l'oeuvre du grand maître japonais Hiroshige.
Une approche exhaustive de tout son répertoire iconographique en 500 pièces issues de la collection Alan Medaugh.
Grand maître de l'estampe japonaise, auteur des célèbres Cent vues d'Edo, Utagawa Hiroshige (1797-1858) a laissé un oeuvre immense. Sont ici réunies 500 estampes de la collection Alan Medaugh - la plus importante collection privée dédiée à l'artiste en dehors du Japon - présentant ses paysages, ses kacho-ga (peintures d'oiseaux et de fleurs), ses portraits de femmes ou encore ses éventails... Les auteurs - conservateurs de musée et spécialistes du Japon - retracent sa vie et éclairent son processus créatif, de ses premiers dessins à ses pièces les plus matures. Un livre somme pour tous les amateurs d'art japonais.
Jim Dwinger est conservateur au Japan Museum SieboldHuis (Leyde) ; il est le coauteur de Shin hanga : Les estampes modernes du Japon 1900-1960 (Hazan, 2022). Il a rassemblé l'ensemble des estampes de ce catalogue. John T. Carpenter est conservateur au Metropolitan Museum of Art (New York), et son domaine d'étude porte sur la poésie traditionnelle japonaise, en particulier celle de l'époque Edo. Andreas Marks est conservateur au Minneapolis Institute of Art et spécialiste du mouvement artistique Ukiyo-e. Rhiannon Paget est conservatrice au département des arts asiatiques du musée d'art John-et-Mable-Ringling de Sarasota en Floride ; elle est l'auteure de Hokusai : 1760-1849 (Taschen, 2018). Shiho Sasaki est conservatrice au musée d'arts asiatiques de San Francisco ; elle s'intéresse à l'étude des pigments dans les estampes japonaises.
"En chantant du rock, Morrison voulait délivrer les gens d'eux-mêmes. Faire reculer les frontières. On ne répétera jamais assez combien chez lui les images, les sons et les mots avaient partie liée. [...] Il était venu chercher le calme à Paris où il arriva en mars 1971. Il y écrira quelques poèmes, recueillis dans La Nuit américaine, et y mourra mystérieusement le 3 juillet 1971." Michel Bulteau Jim Morrison n'était pas uniquement le chanteur du groupe légendaire des Doors. Grand lecteur de romans et de poésie, il tournait aussi des films expérimentaux. Ce volume rend compte des différentes facettes de sa personnalité, des réflexions et expérimentations qui ont jalonné son oeuvre. Il contient à la fois des scénarios de cinéma et le Journal parisien, lui-même constitué de notes, de poèmes, de maximes.
Passé de mode.
L'histoire de la mode contemporaine, de la haute couture au prêt-à-porter.
Le 20e siècle a été témoin du grand essor de la mode: autrefois confinée aux luxueux salons parisiens et réservée à une élite fortunée, la mode est aujourd'hui une industrie mondiale employant des millions de personnes où les nouvelles collections arrivent en boutique alors que les mannequins défilent encore sur le podium. Dans le même temps, les silhouettes féminines qui ont marqué chaque période ont évolué jusqu'à en devenir méconnaissables: des crinolines de la maison Worth aux robes coupées en biais de Madeleine Vionnet, du New Look de Dior au «Chelsea Look» de Mary Quant, du costume blanc de Halston aux jeans taille basse Frankie B. Du côté des hommes, le prêt-à-porter a signé la fin des costumes sur mesure bien avant la mode des chemises hawaïennes ou des jeans slim.
20th-Century Fashion offre une rétrospective de cent ans de style à travers 400 publicités de mode issues de la collection Jim Heimann. Le livre retrace les tendances et les silhouettes du 20e siècle, mais aussi l'évolution du marché de la mode et de ses cibles, au fil de l'intégration de la mode dans la culture populaire et de son développement dans la grande distribution durant plusieurs décennies. Une introduction approfondie et une chronologie illustrée reviennent en détail sur ceux qui ont créé la mode et lancé les tendances, et sur la façon dont les événements historiques, les maisons de mode, les détaillants, le cinéma, les magazines et les célébrités ont façonné notre façon de nous habiller, hier comme aujourd'hui.
Alors que le surf n'a jamais été aussi en vogue, voici l'occasion idéale de revenir à l'origine de ce succès. Inventé par des Hawaïens il y a plus de 500 ans, le surf a glissé jusqu'au continent dans les années 1950. Plus qu'un sport, le surf est devenu un véritable mode de vie qui a fait des émules dans le monde entier. LeRoy Grannis, l'un des plus grands photographes de surf, a commencé à pratiquer en 1931 et s'est mis à immortaliser cet univers particulier en Californie et à Hawaï au début des années 1960, en pleine période longboard.
Cet ouvrage reprend l'époustoufflante Édition collector consacrée à Grannis, désormais indisponible, qui avait été conçue à partir des archives personnelles du photographe. Il présente ses photos de surf les plus intenses dans un format plus compact et plus accessible. S'y révèlent aussi bien la joie d'avoir réussi à surfer la vague parfaite à San Onofre que les wipeouts spectaculaires de la célèbre côte nord d'Oahu.
Innovant dans le domaine, Grannis a adapté à sa planche un boîtier étanche qui lui permettait de changer de pellicule dans l'eau et de rester plus longtemps que les autres photographes de l'époque au coeur de l'action. Ses photos consacrées à la culture surf émergente sont tout aussi remarquables, des «surfer stomps», aux hordes de fans envahissant les plages pour les compétitions de surf, en passant par les breaks woody chargés de planches, le long de l'autoroute de la côte du Pacifique. C'est à travers ces images emblématiques qu'un sport qui commençait tout juste à se développer a incarné l'esprit libre d'une époque où les shortboards n'existaient pas encore, pas plus que les sponsors, où le surf était grand, beau et sentait bon le sable chaud.
Créée en collaboration avec les héritiers de Jim Morrison et inspirée par son « Projet pour le Livre » découvert après sa mort, l'Anthologie Jim Morrison rassemble de nombreux inédits - poèmes, photos, visuels, dessins, paroles... Elle est l'oeuvre la plus complète du leader des Doors. 160 photos accompagnent, entre autres, les textes extraits de 28 carnets intimes - tous écrits de sa main et publiés ici pour la première fois.
De la première photo connue prise à Los Angeles jusqu'aux plus récents panoramas tentaculaires, cet hommage en photographie à la Cité des Anges offre une exploration captivante de l'histoire culturelle, politique, industrielle et sociologique de L.A. L'ouvrage examine les grandes étapes de l'histoire de la ville depuis le boom immobilier des années 1880 jusqu'à l'extension incontrôlée de la ville dans la seconde moitié du XXe siècle. Avec plus de 500 images, L.A. est montrée émergeant d'un no man's land désertique pour devenir un paradis horticole grâce à d'énormes travaux d'irrigation.
Les grands événements qui ont captivé l'attention du public, les deux Jeux olympiques, l'assassinat de Robert Kennedy, les émeutes consécutives à l'affaire Rodney King, révèlent une cité aux multiples facettes. À côté des personnalités, architectes, artistes et événements marquants de Los Angeles, Hollywood, capitale mondiale du show business, et ses stars, ne sont pas oubliées. Nombre des mouvements culturels pop qui ont commencé à Los Angeles, tels le surf, les restaurants diététiques, les hot-rods, sont aussi présentés ici, tout comme les crimes et criminels célèbres de la ville. Ce livre dépeint L.A. dans toute sa splendeur et son énergie à travers les centaines d'images récemment découvertes signées Julius Shulman, Garry Winogrand, William Claxton parmi beaucoup d'autres. Extraites d'archives historiques majeures, de musées, de collections privées et d'universités, elles sont accompagnées de textes éclairants de Kevin Starr, célèbre historien de Los Angeles et de David L. Ulin, expert en histoire littéraire de L.A.
Consacré à la forme visuelle et graphique des menus en Europe, le nouveau livre de Jim Heimann est un festin pour les yeux qui vous fera venir l'eau à la bouche, avec plusieurs centaines de menus européens allant du début du xixe siècle à la fin du second millénaire. Histoire de la cuisine européenne et vaste panorama des styles graphiques, Menu Design in Europe satisfera l'appétit des gourmets comme des passionnés de graphisme.
La prédominance de la cuisine française a fait de celle-ci un modèle des plaisirs culinaires qui s'est propagé dans toute l'Europe (et au-delà). Avec le développement des restaurants et de la gastronomie au xixe siècle, la nécessité d'une présentation plus rigoureuse des plats proposés a donné naissance à toutes sortes de menus imprimés, simples ou extravagants. Orné d'une illustration découpée, le menu de 1891 du Grand Véfour, à Paris, évoque la brasserie bouillonnante de la Belle Époque, tandis qu'en 1932, celui du Royal Palace Hotel de Londres vous entraîne dans un bar nocturne et plein de verve de l'époque du jazz. À l'autre extrémité de cet éventail graphique, le menu du restaurant Lasserre s'exprime, au milieu du xxe siècle, avec une simplicité surréaliste. Plusieurs décennies de styles artistiques sont représentées, depuis les chefs-d'oeuvre de l'Art nouveau et de l'Art déco jusqu'aux appropriations graphiques de la République démocratique allemande. On trouvera aussi les restaurants étoilés par le Guide Michelin à l'époque des chefs vedettes et des raretés comme le menu d'un repas militaire allemand durant la Seconde Guerre mondiale.
Bien plus qu'une simple énumération de plats, ces menus évoquent souvent un repas mémorable et sont parfois présentés avec une attention aussi soignée que les mets eux-mêmes. S'il ne nous est plus possible d'être attablés à La Tour d'Argent en 1952 pour y déguster son fameux Caneton Tour d'Argent, nous en imaginons sans peine l'ambiance grâce au gibier d'eau qui illustre le menu du dîner de ce grand restaurant parisien. Avec un texte introductif de Steven Heller, historien du graphisme, et des légendes d'illustration par Marc Selvaggio, grand marchand de livres anciens et d'objets éphémères, Menu Design in Europe réunit des menus issus de grandes collections privées et d'institutions, dans un somptueux banquet visuel qui fait aussi l'histoire de deux siècles de traditions gastronomiques.
Sous la direction d'un professeur expérimenté, ce nouveau titre de la collection « Dessin, mode d'emploi » présente les connaissances essentielles que tout dessinateur doit posséder pour progresser dans son art.
? Une méthode classique et efficace pour acquérir les bases du dessin figuratif et réaliste. De la connaissance du matériel à l'étude de la perspective et de la composition, en passant par les techniques du fusain ou du crayon, les notions élémentaires du dessin sont exposées avec simplicité.
? Des démonstrations en images. Après le développement des principes fondamentaux, chaque chapitre comprend une mise en application sous forme de pas à pas photographiques ou illustrés.
? Les encadrés « Conseil d'artiste » abondent d'astuces pratiques pour surmonter les difficultés d'une technique et faciliter son apprentissage.
? Les exercices « À vos crayons ! », qui closent les chapitres, permettent au lecteur de passer à la pratique, en suivant les recommandations de l'auteur.
L'ouvrage indispensable pour maîtriser les techniques de base du dessin !
Le photographe américain Jim Mangan a commencé The Crick comme une étude photographique sur l'architecture étonnante des maisons de l'église fondamentaliste de Jésus-Christ des saints des derniers jours (FLDS) dans la ville frontalière Utah-Arizona de Short Creek. Il a rapidement découvert un groupe d'adolescents naviguant dans leur communauté déchirée après que le chef Warren Jeffs ait été emprisonné en 2011. Ces sujets étaient des enfants au moment des faits ; ils sont restés avec leurs familles à Short Creek alors que d'autres ont choisi de quitter la ville. Ici, Jim Mangan propose une méditation sur la succession religieuse, les systèmes patriarcaux et la fraternité dans la vie construite par ces jeunes garçons qui se rêvent en hommes, explorant leur région à cheval comme les explorateurs d'antan. Sur 5 ans, il dépeint le jeu de la jeunesse face à la nature spectaculaire de l'Ouest américain, qu'ils connaissent mieux que beaucoup de leurs contemporains en dehors de leur communauté.
Coming and Going is Jim Goldberg's unique work of autobiography. Since 1999, Goldberg has been photographing his daily life through all its vicissitudes and returning to his studio to re-imagine and investigate these images through a practice of collage, annotation, montage, and reconstruction for which he has become renowned. This book charts a course through the grief following the death of one's parents, the life-altering birth of a child, the heartbreak of divorce, and the rediscovery of love. Told using a correspondingly tumultuous blend of singular and combined imagery, personal notes, collages, and ephemera, the book captures the bittersweet realities of an individual life while reflecting on the universal, inescapable comings and goings that shape us and the ways we grow to understand ourselves. Familiar from celebrated works such as Rich and Poor (1985), Raised by Wolves (1995) and Open See (2009), Goldberg's visual language employs sequence and narrative with a feverish intensity. History, memory, and imagination collide in a vividly material practice to which the influences of fiction and film, and the book form itself, are central. Coming and Going offers a fierce, vulnerable, and at times overwhelming account of a life and a search for the elusive universals of experience - an achievement that constitutes Goldberg's masterwork and a significant contribution to contemporary bookmaking.
L'heure est grave : un culte mystérieux et malfaisant d'adorateurs de dragons se lance dans une course effrénée pour rassembler cinq masques draconiques afin de mener un rituel apocalyptique.
Réunissez votre groupe d'aventuriers et partez à la découverte des Forgotten Realms, les royaumes oubliés légendaires de l'univers de Dungeons & Dragons, grâce à ce livre pop-up immersif, rempli?de clins d'oeil aux campagnes préférées du plus célèbre?des jeux de rôle !
Examinez les nombreux éléments interactifs de chaque page pour révéler les secrets de lieux emblématiques?tels que Waterdeep, Padhiver, l'Outreterre et bien d'autres, où de nombreuses créatures se tapissent dans les ténèbres pour se mettre en travers de votre chemin.
Une multitude de surprises cachées et de toutes nouvelles illustrations font de Dungeons & Dragons : le livre pop-up?un incontournable pour tous les vrais fans de D&D !
INCLUS : plus de 70 éléments et un D20 en papier !
Laissez la destinée guider les pas de vos aventuriers ! Grâce au d20 pliable en papier inclus dans le livre, tentez votre chance et explorez en entier chacune des scènes qui vous sont proposées. Chaque interaction comporte un numéro que vous devez obtenir au dé. Lancez un 20 pour découvrir le secret ultime de chaque page... Et débloquez toutes les interactions afin de faire avancer l'histoire !
Monographie dédiée à la série clé des Paperback Covers de l'artiste américain (des peintures de fausses couvertures de livres de poche bon marché reprenant les codes de la tradition graphique anglo-saxonne) : une contre-encyclopédie des désirs et névroses culturels, scientifiques et sociétaux du XXe siècle.
Issus du vaste corpus des Dream Drawings, les Paperback Covers (1996-2013) reprennent les dimensions de couvertures de livres. La référence à la physicalité des livres de poche bon marché est combinée à un clin d'oeil à la tradition graphique anglo-saxonne, avec ses images pleine page et ses logos d'éditeurs ou de collections. Ne manque plus que le texte. Sans titres, sans auteurs, mais non sans fictions, les tableaux dépeignent des scènes oniriques dont les intitulés éclairent les éléments narratifs, condensant le récit en une seule image, dans laquelle le narrateur à la première personne s'identifie comme Jim Shaw. Ils deviennent des instantanés possibles de l'autobiographie de Shaw, mais ils constituent également un répertoire de formes et de références culturelles dont le livre de poche n'est qu'un aspect. Les bandes dessinées, les illustrations, la peinture naïve et savante, les récits fantastiques et populaires sont tous évoqués par le corpus. Collection de courts-circuits favorisant l'imagination et la subjectivité, les Paperback Covers constituent une contre-encyclopédie des désirs et névroses culturels, scientifiques et sociétaux du XXe siècle.
Edité par Marc Jancou, présenté par Lionel Bovier et Samuel Gross, l'ouvrage rassemble la totalité des Paperback Covers inventoriées, accompagnées de In Memory of Godzilla: Reading Material for Jim Shaw, un ouvrage de création littéraire de l'écrivain et critique d'art londonien Charlie Fox, conçu comme un tremplin pour la libre association.
En parallèle de sa carière filmographique, le réalisateur Jim Jarmusch a réalisé des séries de collages sur papier en utilisant des photos tirées des journaux. Des célébrités d'époques passées, des inconnus pris sur le vis sont anonymisés ou masqués par d'autres extraits dans un exercice mêlant absurdité et commentaire poétique. Ces oeuvres de petit format sont ici présentées en un joli volume témoignant de la capacité de l'artiste à voir dans des images du quotidien une potentialité comique.
Ce livre est le catalogue de l'exposition de Jim Dine au Centre Pompidou, une exposition couvrant quatre décennies de sa production variée et prolifi que.
Au cours de ces dernières années, Jim Dine a fait de nombreux dons d'oeuvres aux musées européens et américains, y compris au British Museum, l'Albertina à Vienne, le Museum of Fine Arts à Boston et le San Francisco Museum of Modern Art. Au Centre Pompidou, il a fait un don composé de trente peintures et sculptures de 1966 à nos jours. Ces oeuvres font l'objet de ce livre.
Reproduites en double pages, elles couvrent tous les grands motifs abordés par l'artiste y compris ses coeurs, peignoirs, oiseaux, autoportraits et outils. Complété par un long entretien de 40 pages avec Bernard Blistène, le directeur du musée national d'art moderne et par de nombreuses photos. Ce livre est à ce jours l'étude la plus détaillée sur Jim Dine l'un des artistes contemporains majeurs.
De retour à la galerie Templon, Jim Dine fait exploser les couleurs, les formes, les techniques pour mieux interroger ses thèmes de prédilection : la création, le soi, la mémoire. A 82 ans, l'artiste et poète américain, au travail dans son atelier de Montrouge, ne s'est jamais senti aussi libre.
La galerie dévoile un ensemble inédit de peintures réalisées à l'été 2017 dans son nouvel atelier. Autoportraits, compositions abstraites ou paysages d'objets, chacune des toile renvoie toujours au même sujet : la peinture elle-même, son inspiration, sa production, son dépassement. Chacune porte en elle une histoire des repentirs, un souvenir de la puissance physique à l'origine de sa naissance. Travaillée avec de l'acrylique et du sable, à la meuleuse, la surface des toiles acquiert volume et matérialité : Jim Dine sort du plan.
Obsessionnel de la gravure, l'artiste s'est inspiré des travaux sur bois d'Edward Munch dans une nouvelle série d'estampes hallucinatoires composées comme des puzzles. L'artiste réimprime ses supports, y intègre de nouveaux fragments, en dessine les détails à la tronçonneuse, pousse jusqu'aux limites l'accumulation des couches. Le cerne noir de sa tête, aussi reconnaissable que le Cri de l'artiste norvégien, traverse une infinité de variations par les traces, les couleurs et les motifs.
Point d'orgue de l'exposition, un autoportrait de bronze haut de plus de 2 mètres : la tête de l'artiste hérissée d'outils, comme une affirmation du pouvoir de la main sur celui de la tête ?
Né en 1935 à Cincinnati dans l'Ohio, Jim Dine vit et travaille entre Paris (Montrouge), Göttingen en Allemagne et Walla Walla aux Etats-Unis. Pionnier du happening avec Claes Oldenburg, Allan Kaprow à New York dans les années 1960, Jim Dine très vite une voie singulière. Bien que son nom ait souvent été associé au Pop Art, son oeuvre défie les catégories. Bois, lithographie, photographie, métal, pierre, il expérimente toutes les techniques pour en bouleverser les règles. Pour lui, l'outil et le processus de création sont aussi cruciaux que l'oeuvre achevée.
Depuis sa première exposition en 1960, son oeuvre a été présentée dans près de 300 expositions personnelles à travers le monde. Jim Dine est représenté dans plus de 70 collections publiques à travers le monde, dont celle du Metropolitan Museum of Art de New York, du Musée national d'art moderne - Centre Pompidou à Paris, de la Tate Collection à Londres.
En 2016, Jim Dine a été invité à collaborer avec la Manufacture de Sèvres. Il y a crée Thru the stardust, the heat on the lawn (Claude), un ensemble de 10 vases-sculptures en terre cuite vernissée, à la surface couverte des poèmes calligraphiés de l'artiste, plantés d'outils. Ils seront exposés dans le jardin des Tuileries dans le cadre de la programmation hors les murs de la FIAC en octobre 2017.
Début 2018, le Mnam - Centre Pompidou consacrera une exposition à la donation exceptionnelle au musée, par l'artiste américain, d'une vingtaine de ses oeuvres.
Premier ouvrage en français consacré à l'artiste depuis 10 ans, un catalogue bilingue anglais sera édité à l'occasion de l'exposition, introduit par un entretien mené par Guy Boyer, journaliste et rédacteur en chef de Connaissance des arts.
Gautier Deblonde a photographié pendant huit ans 70 studios d'artistes. Prises en mode panoramique et sans figure humaine, ses oeuvres invitent à la méditation tout en dévoilant le processus créatif et l'environnement de travail de grands noms de l'art contemporain : Georg Baselitz, Gerhard Richter, Jeff Koons, Damien Hirst, Ai Weiwei, etc.
" Comment devenir rock critic ? Un voyage mégatonnique avec Lester Bangs ! " Tel est le titre d'un inédit - publié en conclusion de la présente biographie - où le mauvais esprit et le style unique de l'auteur de Psychotic Reactions & autres carburateurs flingués et Fêtes sanglantes & mauvais goût atteignent de nouveaux sommets. Car Lester Bangs, dans tous les journaux auxquels il collabora, de Rolling Stone à Creem et au Village Voice, ne fut pas seulement l'incarnation de ce genre littéraire improbable : la critique rock. Il est celui qui en dynamita les règles, la forme et le contenu. Héritier de Kerouac et des Beats, admirateur de Bukowski, il inventa une écriture qui rivalisait avec le son et l'énergie du rock. Mais, très vite, ses textes s'avérèrent meilleurs que la plupart des artistes ou disques dont ils parlaient ! Lou Reed, Patti Smith, Captain Beefheart, les Clash le considéraient comme leur égal. Kurt Cobain en avait fait son maître à penser. Au-delà de la musique, ses choix esthétiques, son humour dévastateur et son intransigeance à l'égard de l'industrie constituent plus que jamais une référence absolue dans tous les domaines du " journalisme culturel ". De sa Californie natale à Détroit puis New York, du psychédélisme et du free jazz au punk, Bangs a vécu et pensé comme personne - jusqu'à sa mort en 1982 à trente-trois ans - tous les débordements de la contre-culture. C'est cette histoire que raconte aujourd'hui Jim DeRogatis, dans une biographie aussi informée que puissamment empathique, et qui a été acclamée lors de sa parution aux États-Unis par les milieux littéraires comme par ceux de la critique rock.
Au commencement de l'ère automobile, l'envie de voyager des Américains vit naître une nouvelle vague d'entrepreneurs ingénieux qui surent tirer parti de ce nouveau mode de transport. Dès les années 1920 apparurent de surprenants bâtiments conçus pour attirer les routiers de passage à la recherche d'en-cas, de provisions, de souvenirs ou d'un repas sur le pouce. Ces «monstrueuses» constructions des bas-côtés furent rejetées en bloc par l'establishment architectural de l'époque. Elles ne cessèrent pourtant de se multiplier, notamment dans le Sud des États-Unis et de la Californie, dès lors que les propriétaires tolérèrent ces élans créatifs prenant la forme d'édifices géants totalement excentriques, déclinant chouettes, figurines, cochons, vaisseaux, cafetières et fruits divers. Sans aucune portée symbolique, ils furent balayés par l'Histoire jusqu'à il y a environ 40 ans, quand ces bizarreries architecturales de la Californie regagnèrent leurs lettres de noblesse. Elles sont désormais célébrées dans cette anthologie réactualisée, California Crazy. Présentant les plus beaux exemples de ce style d'architecture, California Crazy contient des essais qui décryptent les courants ayant favorisé la naissance de ce mouvement et identifient les paysages et comportements non conventionnels des à-côtés de Los Angeles et de Hollywood qui ont permis à ces bâtiments de fleurir en masse. En complément, California Crazy reprend l'essai ultime de David Gebhard, qui définit cette tendance vernaculaire il y a près de 40 ans et pour qui le concept de «California Crazy» englobait aussi l'architecture d'intérieur, la signalétique et les automobiles les plus fantaisistes.
Dans l'oeuvre diversifiée de Jim Dine (né en 1935), la gravure joue un rôle cohérent et primordial. Depuis six décennies maintenant, l'engouement de l'artiste pour les gravures sur bois, l'eau-forte et la lithographie, pour la pointe sèche, les monotypes et les aquatintes n'a fait que de s'accroitre.
I Print est le dernier d'une série de catalogues scientifiques raisonnés sur l'oeuvre imprimée de Dine qui documente de manière exhaustive toutes les oeuvres produites depuis 2001, avec des informations détaillées pour chaque réalisation et qui recense également les livres et portfolios que Dine a réalisé au cours des 20 dernières années.
De la première photo connue prise à Los Angeles jusqu'aux plus récents panoramas tentaculaires, cet hommage photo à la Cité des Anges est la première enquête approfondie qui regroupe tous les témoignages photographiques existants sur l'histoire de la ville. Explorant l'histoire culturelle, politique, industrielle et sociologique de LA grâce aux contributions d'une myriade de photographes, notre ouvrage examine les grandes étapes de l'histoire de la ville depuis le boom immobilier des années 1880 jusqu'à l'extension incontrôlée de la ville dans la seconde moitié du XXe siècle. Avec plus de 500 images, LA est montrée émergeant d'un no man's land désertique pour devenir un paradis horticole grâce à d'énormes travaux d'irrigation.
Les grands événements qui ont captivé l'attention du public, les deux Jeux Olympiques, l'assassinat de Robert Kennedy, les émeutes consécutives à l'affaire Rodney King, révèlent une cité aux multiples facettes. A côté des personnalités, architectes, artistes et événements marquants de Los Angeles, Hollywood, capitale mondiale du Show Business, et ses stars, ne sont pas oubliées. Nombre des mouvements culturels pop qui ont commencé à Los Angeles, tels le surf, les restaurants diététiques, les hot-rods, sont aussi présentés ici, tout comme les crimes et criminels célèbres de la ville. Ce livre révèle une nouvelle dimension de l'histoire visuelle d'une des cités les plus connues et les plus photographiées au monde, avec des centaines d'images récemment découvertes signées Julius Shulman, Garry Winogrand, William Claxton parmi beaucoup d'autres. Extraites d'archives historiques majeures, de musées, de collections privées et d'universités, ces images sont accompagnées de textes éclairants de Kevin Starr, célèbre historien de Los Angeles et de David L. Ulin, expert en histoire littéraire de LA.
Peinture, sculpture, gravure, dessin, jim dine artiste américain maitrise des techniques diverses.
Ce qui a récemment changé l'équation entre la phtographie et le projet artistique de jim dine est l'intérêt croissant qu'il porte aux techniques alternatives du tirage photographique : la photogravure procédé vieux d'un siècle qui connait un regain d'intérêt, et le tirage numérique, dernière invention née de l'informatique.
Jim dine a utilisé ces deux technologies pour produire ce qui est en effet une seule et même oeuvre, qui réaffirme l'imagerie des trentes dernières années de sa carrière, de façon renouvelée et inattendue.
