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Prix
Silvana
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Tina Modotti (Udine, 1896 - Mexico, 1942) - actrice, photographe, muse d'artistes tels qu'Edward Weston et Diego Rivera, activiste politique, pamphlétaire - a vécu en protagoniste les événements les plus signifi catifs de la première moitié du XXe siècle : à savoir la vivacité culturelle de la Renaissance mexicaine, la révolution cubaine, la période héroïque de l'Internationale communiste, au cours de laquelle son crédo politique se traduisit par des actions audacieuses, voire périlleuses et hors-normes.
Cet ouvrage dresse un portrait vivant et articulé d'une femme extraordinaire, à travers près de cent photographies où la recherche d'une absolue perfection formelle se conjugue à la capacité d'adhérer avec ténacité et passion aux pulsations de la vie.
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Sakountala l'un des chefs-d'oeuvre de Camille Claudel, est un fil permettant de retracer la carrière de l'artiste. Cet ouvrage, publié à l'occasion de l'exposition « Camille Claudel à l'oeuvre : Sakountala », présentée au musée Camille Claudel de Nogent-sur-Seine, revient sur le contexte de création de cette sculpture, l'histoire très mouvementée de sa réception ainsi que ses multiples avatars, de L'Abandon à Niobide blessée en passant par Vertumne et Pomone.
Ce catalogue offre aussi des éclairages sur la source littéraire très originale qui a inspiré Camille Claudel : La Reconnaissance de Sakountala, un mythe issu de la littérature indienne ancienne. En vogue en Europe à l'époque de la sculptrice, celui-ci a donné lieu à différentes traductions mais aussi à des adaptations scéniques, en ballet ou au théâtre, tout au long du XIXe siècle et encore au XXe siècle.
Textes inédits et notices d'oeuvres proposent ainsi un regard renouvelé autour de cette oeuvre majeure, la seule qui ait valu à Camille Claudel une récompense au Salon et qu'elle n'aura eu cesse de reprendre jusqu'à la fin de sa carrière. -
À travers plus de deux cents impressions d'époque, le volume présente un large éventail, exhaustif et inédit, de l'oeuvre de Brassaï. Hongrois de naissance mais parisien d'adoption, Brassaï - pseudonyme de Gyula Halász - fut l'un des principaux acteurs de la photographie du xxe siècle, celui que son ami Henry Miller surnommait « l'oeil vivant ». Ses clichés d'un Paris mystérieux sont célèbres. Dévoilés par l'éclairage public, enveloppés dans la brume ou baignés par la pluie, ils offrent un témoignage sur l'atmosphère nocturne qui régnait dans la capitale à son époque. Mais Brassaï a également voyagé dans l'Europe entière, en Italie et en Espagne entre autres, et aux États-Unis, laissant derrière lui des photographies qui portent l'empreinte de sa curiosité et de son style. Sa production est proposée ici, de ses premiers clichés influencés par le mouvement surréaliste aux iconiques images de Paris dans ses habits voluptueux et mondains. Une attention particulière a été portée aux « graffiti », immortalisés par Brassaï lors de ses explorations des murs parisiens, révélateurs de son attachement aux arts visuels et à des artistes comme Jean Dubuffet. Enfin, les photographies dédiées au nu féminin, à la mode, aux portraits de ses amis artistes et d'enfants, et ces petits paradoxes et sculptures involontaires que la réalité offrait à son regard et que Brassaï, créateur d'images, savait saisir dans l'immédiateté de l'instant.
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Pour les Impressionnistes et les Nabis d'hier, comme pour les fans de mangas et d'animés d'aujourd'hui, le Japon est une source inépuisable d'inspiration et de renouvellement de l'imaginaire. Dès la fin du XVIe siècle, mais plus encore à partir du XIXe siècle, l'art japonais n'a cessé de susciter l'engouement des artistes comme des collectionneuses et collectionneurs. Après l'exposition consacrée en 2020 à Camille Moreau-Nélaton, femme céramiste au temps des Impressionnistes qui a collectionné l'art japonais avec ferveur, l'exposition Passion Japon, des netsuke aux mangas, présentée au musée de la Céramique de Rouen en 2024, propose de partir à la découverte de ces objets réunis avec ardeur et enthousiasme, de la seconde moitié du XIXe siècle à nos jours.
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Toulouse-Lautrec, tête d'affiche
Véronique Serrano, Gilles Genty, Collectif
- Silvana
- L'oeil D'un Collectionneur
- 24 Avril 2024
- 9788836656943
Certaines rencontres représentent un acte fondateur de la carrière d'un artiste?; c'est le cas de celle entre Pierre Bonnard et Toulouse-Lautrec. C'est en effet le premier, par sa pétillante affiche France-Champagne, réalisée au printemps 1891, qui guidera le second sur la voie d'une éternelle célébrité pour ses oeuvres lithographiques. Inventeur de l'affiche moderne après Bonnard, c'est bien Toulouse-Lautrec qui, grâce à ses recherches acharnées sur les nouvelles potentialités offertes par cette technique et ses nombreuses heures passées auprès des ouvriers lithographes, en demeure aujourd'hui encore le maître incontesté?; en témoignent ses affiches iconiques d'un Paris fin-de-siècle, telles que Moulin Rouge - La Goulue, Divan Japonais, Jane Avril, Loïe Fuller ou Aux Ambassadeurs, sans oublier toutes celles liées au personnage d'Aristide Bruant. Tout au long de sa vie d'artiste, Lautrec se posera en marge des impressionnistes et collaborera avec les auteurs les plus en vue ou les plus décriés de son temps, publiant de nombreux albums contenant des tirages spéciaux.
L'exposition, sous la direction de Véronique Serrano et Gilles Genty, s'inscrit dans le cadre des célébrations du 150e anniversaire de l'Impressionnisme avec le prêt exceptionnel de deux chefs-d'oeuvre du musée d'Orsay qui viennent parfaire la sélection des 80 lithographies, épreuves et tirages rares exposés, provenant d'un des fonds les plus riches conservés en main privée.
Le catalogue abondamment illustré et commenté constitue un outil essentiel pour l'étude de l'oeuvre lithographique de l'artiste.
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James Abbott McNeill Whistler : L'effet papillon
Florence Calame-Levert, Laura Valette
- Silvana Editoriale
- 27 Juin 2024
- 9788836656936
James Abbott McNeill Whistler est passé à la postérité comme le prototype même de l'artiste singulier, rebelle et influent. Dès la fin des années 1870, son oeuvre rencontre un succès considérable à une échelle internationale et le peintre n'a de cesse de s'entourer de jeunes artistes afin de perpétuer l'originalité de ses partis pris esthétiques.
Pour la première fois en France, une exposition d'envergure dévoile le « whistlérisme », mouvement artistique contemporain de l'impressionnisme et pourtant encore peu étudié. Accompagnant l'exposition James Abbott McNeill Whistler : l'effet papillon tenue au musée des Beaux-Arts de Rouen en 2024, cet ouvrage nous transporte de l'Écosse à la Pologne, des côtes normandes aux salons parisiens afin de nous faire découvrir, grâce aux précieuses contributions de grands spécialistes internationaux de Whistler et de ses épigones, des artistes parfois mal connus en France. Et parce que le whistlérisme a perduré bien après la mort de l'artiste, ce catalogue interroge son héritage jusque dans le mouvement abstrait américain du milieu du XXe siècle, tout en ouvrant aux domaines de la poésie, de la critique d'art, de la photographie et du cinéma. -
Grands décors restaurés de Notre-Dame de Paris
Collectif
- Silvana Editoriale
- 12 Juillet 2024
- 9788836656820
De la cathédrale Notre-Dame de Paris, on connaît l'architecture gothique et l'intervention de Viollet-le-Duc, mais beaucoup moins les tableaux peints qui l'ont ornée au fil des siècles. Le présent ouvrage explique les étapes de la constitution de ce décor, depuis la collection des « grands mays » inaugurée en 1630 jusqu'aux XIXe et XXe siècles. À travers l'histoire de chacune des oeuvres peintes présentes dans l'édifice à la veille de l'incendie de 2019 et de leur restauration en 2022-2023, la cathédrale apparaît aussi, du XVIIe siècle à nos jours, comme un écrin d'objets d'art et de piété de qualité exceptionnelle.
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Le présent ouvrage a pour ambition de mieux faire connaître l'importante contribution visuelle de cette grande figure féminine de la photographie du dernier tiers du XXe siècle qu'était Martine Franck. Ce livre célèbre ses images les plus connues sur l'enfance, le grand âge, ou le théâtre, dont certaines sont devenues des icônes. Mais il révèle également des pans entiers de son oeuvre, sur la représentation du travail, les mouvements féministes, ou la société de consommation, qui, jusqu'à présent, ont peu été montrés. Cette nouvelle synthèse révèle ainsi au grand public une artiste sincèrement humaniste, profondément engagée dans son époque, et pour laquelle l'appareil photographique a été un entremetteur privilégié pour regarder les autres.
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Julia Margaret Cameron : Capturer la beauté
Quentin Bajac, Julia Margaret Cameron, Lisa Springer, Marta Weiss
- Silvana
- 13 Octobre 2023
- 9788836654895
Originale et hors du temps, l'oeuvre de Julia Margaret Cameron, réalisée en à peine une décennie, entre 1864 et 1875, représente l'une des plus belles illustrations du souffle épique des débuts de la photographie. Célébrée à son époque pour ses portraits en gros plan, tout à la fois admirée et décriée pour son gout d'une mise au point légèrement floue, Cameron voyait dans chacune de ses images « l'incarnation d'une prière ».
Cet ouvrage présente plus d'une centaine de ses photographies, depuis ses premières expérimentations jusqu'à ses compositions allégoriques, ou d'inspiration littéraire, historique à plusieurs personnages, en passant par une impressionnante galerie de portraits de ses contemporains.
Exposition, Paris, Jeu de paume, 10 octobre 2023-28 janvier 2024. -
En solitaire, autour du monde : L'aventure du Vendée Globe (catalogue)
Olivier Le Carrer, Collectif
- Silvana Editoriale
- 26 Novembre 2024
- 9788836658480
« Personne ne peut savoir quel plaisir, on éprouve à naviguer seul, en toute liberté sur les océans immenses, à moins d'en avoir l'expérience. » - Joshua Slocum
De Joshua Slocum, premier homme à avoir réalisé le tour du monde en solitaire à la voile (1895-1898), aux coureurs du Vendée Globe, les skippers repoussent sans cesse les limites humaines, techniques et technologiques de la navigation.
Cet ouvrage propose de plonger dans les coulisses et les émotions d'un exploit qui unit un marin, un bateau et trois océans. Préparatifs, vie à bord, équipes à terre, évolutions des bateaux et des instruments de navigation, récits de voyage : un embarquement dans l'histoire et la réalité de cette expérience totale qu'est la course en solitaire à travers des interviews de navigateurs, des témoignages inédits, des textes scientifiques et une riche iconographie. -
Entre 1910 environ et le milieu des années 1930 apparaît dans l'oeuvre de Pierre Bonnard un vase au décor assez banal de branches, de feuilles et de fruits de cerisiers. Objet né avant 1911 dans les ateliers de la faïencerie Lebacqz & Bouchart dans le nord de la France, ce pichet à eau a fasciné le peintre au point qu'il réalise une trentaine de tableaux - presque exclusivement des natures mortes mais aussi un nu et deux intérieurs. On sait que les objets rares intéressaient fort peu le peintre qui avait besoin de vivre durablement avec un objet pour en scruter sa valeur intrinsèque. Métamorphosé par la couleur, l'objet semble à chaque fois différent, parfois méconnaissable. L'exposition est l'occasion de donner un éclairage particulier à cet objet culte pour un «?bonnardien?», inspirant pour le peintre qui a fait des émules sur ce sujet. Il a inspiré une trentaine de peintures toutes reproduites dans ce catalogue sous la direction de Véronique Serrano. Un tiers est présenté dans l'exposition, ainsi que des dessins.
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Jean Lurçat (1892-1966) s'est illustré en tant que peintre cartonnier de tapisseries, mais sa créativité s'est aussi exprimée à travers la peinture, le dessin, la gravure, les décors de théâtre, l'écriture et l'illustration. L'artiste a également contribué au renouveau de la céramique dans les années 1950. Il compte ainsi parmi les peintres qui ont hissé au rang d'art un domaine longtemps associé à une production utilitaire, artisanale ou industrielle. L'univers de la céramique d'art ouvre à Jean Lurçat un nouvel espace de liberté qui comble son avidité créatrice durant quasiment seize années, de 1951 à 1966. Le médium devient alors l'un des maillons de son langage esthétique. Par l'exploration de fonds d'archives inédits, ce catalogue propose de faire le point sur l'édition des faïences que Lurçat réalise exclusivement à Perpignan, dans l'atelier Sant Vicens. Deux fois par an, avec une curiosité mêlée de fascination pour l'alchimie de la terre, de l'eau, de l'air et du feu, il vient y émailler ses prototypes. En miroir du foyer potier de la Côte d'Azur où règne Picasso, Lurçat choisit l'héritage catalan non seulement par affinités amicales et pour la qualité de vie roussillonnaise, mais aussi en souvenir de la guerre d'Espagne qui l'a particulièrement touché. Perpignan est alors le laboratoire de ses recherches artistiques où, annuellement, il présente ses créations récentes. Grâce à leur dimension décorative et au pouvoir de l'édition numérotée, celles-ci sont entrées dans l'univers quotidien d'un large public.
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Man Ray (1890-1976) : maître des lumières
Robert Rocca, Pierre-yves Butzback
- Silvana
- 28 Août 2023
- 9788836654987
Artiste polyvalent, Man Ray occupe une place prépondérante dans l'histoire de l'art du XXe siècle. Surtout connu comme photographe, Man Ray a essentiellement vécu à Paris. Il fut l'un des premiers à utiliser la photographie, non pas comme un simple moyen de reproduction, mais comme un véritable médium de création à part entière, faisant de cette technique un art. Certaines de ses photographies, comme Le Violon d'Ingres (1924) ou Noire et blanche (1926), sont devenues des icônes.
Né à Philadelphie, Pennsylvanie, le 27 août 1890, Emmanuel Radnitsky, dit Man Ray, l'Homme Rayon (de lumière), fréquente les milieux intellectuels et artistiques de New York. Il découvre les avant-gardes européennes, se lie d'amitié avec Marcel Duchamp qui lui ouvre les portes du dadaïsme et qui l'accueille à Paris en juillet 1921.
Au centre de la vie artistique parisienne, il participe aux expériences artistiques novatrices des dadaïstes et des surréalistes, fréquente les peintres, les poètes, les intellectuels et devient célèbre pour ses portraits. Il développe une carrière de photographe de mode, notamment pour les couturiers Paul Poiret et Elsa Schiaparelli. Inlassable expérimentateur, il redécouvre la technique des « photogrammes » (silhouettes abstraites d'objets) que Tristan Tzara appelle « rayographies » et, en 1929, avec sa nouvelle compagne Lee Miller, ils développent la technique de la « solarisation ». En 1940, après la défaite de la France, Man Ray s'embarque pour les États-Unis et rencontre Juliet Browner qui devient sa femme et son modèle. Il retourne à Paris en 1951 où il meurt en 1976.
Man Ray est, certes, un photographe reconnu pour avoir révolutionné l'art de la photographie, mais il est également peintre, dessinateur, assembleur d'objets, sculpteur, écrivain, cinéaste. C'est cet artiste protéiforme que nous proposons de découvrir ou redécouvrir, à travers un véritable panorama de ses oeuvres qui permettra d'appréhender le processus créatif de Man Ray et de comprendre l'importance de son oeuvre. -
En mars 1985, le Musée national du Luxembourg a reçu un généreux et inattendu legs de la succession d'Edward Steichen, l'immense photographe américain né au Luxembourg. Le legs comprend un total de 178 tirages, dont 175 photographies de Steichen lui-même qui couvrent presque tous les aspects de son oeuvre photographique - des images empreintes du pictorialisme de ses débuts au portrait, la mode, la publicité, les paysages et les photographies de famille. Pour la première fois, cette extraordinaire collection est présentée de manière exhaustive, avec des illustrations en pleine page des 178 photographies. En outre, la publication comprend un volet scientifique exceptionnel : six nouveaux essais traitant des questions d'identification, de techniques et de datation des tirages ainsi que de leur conservation et de leur préservation. Ces textes retracent la provenance et l'histoire de l'impact de la collection et confrontent l'importance de la donation luxembourgeoise à d'autres legs faits à la même époque à des institutions aux États-Unis et outre-mer. L'importance du nombre étonnamment élevé de photographies de famille du legs luxembourgeois et le rôle exceptionnel de Steichen en tant que médiateur de la modernité entre l'Europe et le Nouveau Monde sont également explorés.
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Nouv.
Claude Monet, portail de la cathédrale de Rouen, temps gris
Jeanne-Marie David, Robert Blaizeau, Bénédicte Trémolières
- Silvana Editoriale
- Unique !
- 16 Janvier 2025
- 9788836658305
Unique ! Une collection dédiée aux chefs-d'oeuvre des musées de la Métropole Rouen Normandie.
Avec ce nouvel opus de la collection Unique ! les musées de la Métropole Rouen Normandie mettent en lumière bien plus qu'un chef-d'oeuvre de l'impressionnisme. Tout un pan de l'histoire de l'art se révèle grâce à l'étude du Portail de la cathédrale de Rouen, temps gris, oeuvre issue d'une série de trente toiles qui a révolutionné l'histoire de la peinture. Cet ouvrage propose d'en découvrir toutes les facettes. Il explore les relations que Monet entretient avec Rouen, nous plonge dans les affres et les joies de la création, et donne l'occasion unique de découvrir, à travers les images scientifiques réalisées lors de la restauration du tableau, ce que l'oeil nu ne peut voir. Il permet enfin de souligner l'audace et la générosité de son donateur, François Depeaux, qui souhaitait offrir à sa ville la cathédrale « la plus rouennaise » de toute la série. -
Courbet et l´Italie : Prolégomènes pour l´histoire d'une réception critique, visuelle et politique
Giuseppe Di Natale
- Silvana
- 23 Février 2024
- 9788836656356
« Véronèse?! voilà un homme doué de tous les talents, un peintre sans faiblesse et sans exagération, un homme fort et d'aplomb [...]?; le Titien et Léonard de Vinci sont des filous. Si l'un de ceux-là revenait au monde et passait par mon atelier, je tirerais le couteau?! [...] Quant à M. Raphaël, il a fait sans doute quelques portraits intéressants, mais je ne trouve dans ses tableaux aucune pensée. C'est pour cela sans doute que nos prétendus idéalistes l'adorent. L'idéal?! Oh?! Oh?! Oh?! Ah?! Ah?! Ah?! Quelle balançoire?! Oh?! Oh?! Oh?! Ah?! Ah?! Ah?! ».
Gustave Courbet cité par Théophile Silvestre, 1856.
Toute sa carrière, Gustave Courbet a publiquement rejeté l'art italien, source d'un académisme contre lequel son art était en lutte. Plus intimement, l'artiste a manifesté un intérêt tout autre. L'autodidacte, « élève de la nature », s'est formé devant les oeuvres italiennes et sa collection personnelle était entièrement tournée vers l'art italien, contredisant son seul intérêt revendiqué pour l'art flamand et espagnol. L'ambivalence de Courbet obligeait à porter un regard nouveau sur sa relation réelle à l'Italie.
À travers cet ouvrage, fruit d'un important travail de recherche et d'analyse, mené entre le « Pays de Courbet » et l'Italie, Giuseppe Di Natale dévoile un sujet inédit, mais pourtant fécond. Permettant de repenser les sources italiennes des oeuvres de Courbet et d'approcher sa réception par les artistes italiens au XIXe siècle, cet ouvrage offre aussi une plongée dans la fortune critique importante du maître d'Ornans dans la première moitié du XXe siècle. Au rôle du jeune Roberto Longhi, qui initie le parallèle maintes fois repris entre Courbet et le Caravage, fait écho l'intérêt de Giorgio De Chirico, auteur de la première monographie italienne consacrée au maître d'Ornans. Dans un contexte historique finement retracé, marqué par les guerres et le fascisme, c'est une grande partie de l'Italie intellectuelle et artistique qui se passionne, débat et se confronte autour de l'art de Courbet. -
La chronologie de l'oeuvre de Capa, grande figure de l'histoire de la photographie, rythme les pages de ce livre à l'iconographie très riche. Trois cents photos, qui donnent une idée de l'étendue de l'oeuvre, et exposent la façon particulière qu'avait Capa de travailler sur le terrain.
Ses reportages de guerre ont façonné sa légende, comme l'affirme Michel Lefebvre dans son essai ; mais Capa, tout en étant souvent « le premier et le plus proche » de son sujet, nous montre aussi la réalité sous d'autres angles : ses images décrivent parfois des moments qui évoquent l'homme qu'il a été, sa sensibilité envers les victimes et les migrants, en écho à son propre parcours depuis sa Hongrie natale. Ce livre nous donne un aperçu de quelques-unes des facettes d'un personnage complexe, épris de liberté et sans doute jamais entièrement satisfait, qui n'a pas hésité à prendre tous les risques. Capa a su se mettre en jeu, jusqu'au bout, sans concessions. -
Nouv.
Dans l'atelier de Guido Reni
Collectif, Dury Corentin
- Silvana Editoriale
- 16 Janvier 2025
- 9788836658176
Guido Reni est l'un des peintres les plus convoités du XVIIe siècle. Mais, entre Paris et Rome, l'artiste n'est pas seul : à l'époque, l'atelier est un lieu de collaboration. Jusqu'à 200 personnes, venant de toute l'Europe, auraient travaillé avec le maître bolonais. Pour la première fois, une exposition explore autant les tableaux que la réalité de cette bottega. Qu'est ce qui fait un original ? L'oeuvre d'art est-elle unique ? Comment l'artiste décline-t-il ses oeuvres dans le temps ? Autant de questions affrontées en analysant la production et la vie des peintres de l'entreprise Reni, parfois marquée par les explosions de colère du maître, ou ses dettes immenses. Au coeur de la réflexion, une iconographie : David contemplant la tête de Goliath. Si ce chef-d'oeuvre du peintre marque durablement l'histoire de l'art occidental, son histoire reste complexe. Le dossier s'est récemment élargi avec la redécouverte de la version du musée des Beaux-Arts d'Orléans, longtemps considérée comme une copie ! Chef-d'oeuvre du maître, ce tableau ajoute un nouveau chapitre à l'intérêt de l'artiste pour ce sujet traité tant de fois durant sa carrière. Toutes les versions connues de Guido Reni ou de l'un de ses collaborateurs sont ici reconsidérées ensemble.
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On ne présente plus Eugène Atget (1857-1927), le célèbre photographe autodidacte qui immortalisa le « Vieux Paris » au tournant du XXe siècle. Pourtant cet ouvrage aborde l'homme et l'artiste sous un jour inédit. Il relate ses liens avec Libourne, sa ville natale. Il laisse la parole à des photographes actuels qui éclairent le lecteur sur la fascination qu'exerce encore aujourd'hui ce personnage. En même temps, le néophyte y trouvera les repères historiques indispensables pour mesurer l'ampleur de son entreprise : en un peu plus de trente ans, Atget a capturé près de dix mille images dans une démarche documentaire, d'inventaire même. Mais ses clichés témoignent également d'une sensibilité et d'une poésie toutes particulières. C'est le sujet de l'exposition « Eugène Atget, poète photographe » à l'origine de ce livre, organisée par le musée des Beaux-Arts de Libourne avec la collaboration exceptionnelle du musée Carnavalet - Histoire de Paris, Paris Musées. La plupart des oeuvres exposées y sont reproduites et organisées autour des grandes thématiques illustrant le travail d'Eugène Atget.
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Supports / surfaces : La collection publique du Luxembourg
Collectif
- Silvana
- 28 Août 2024
- 9788836657674
Dernier mouvement d'avant-garde de l'art français du XXe siècle, Supports/Surfaces marque un tournant important, prônant le rejet des supports de peinture traditionnels au profit d'une exploration plus conceptuelle de la matérialité de la toile. Certains artistes dépassent même les limites de la peinture dans leur approche artistique en direction de la sculpture et de l'installation. Bien que le mouvement ait atteint son apogée dans les années 1970, ses idéaux de liberté, d'expérimentation et de remise en question des conventions établies continuent d'influencer de nombreux artistes.
Les premières acquisitions depuis 1994 et les efforts systématiques ultérieurs ont permis au Musée national d'archéologie, d'histoire et d'art du Luxembourg (MNAHA) de constituer une collection Supports/Surfaces remarquable. Elle renferme actuellement trente-huit oeuvres de la période 1966-1985, dont nombre d'oeuvres monumentales. Tous les artistes importants du mouvement y sont représentés avec des oeuvres historiques et de qualité muséale. La collection du MNAHA compte ainsi parmi les ensembles Supports/Surfaces les plus intéressants en Europe et au-delà, illustrant les aspects importants de ce mouvement artistique français innovant.
Cette publication paraît à l'occasion de la première présentation de l'ensemble de la collection à partir de juillet 2024. -
Nouv.
Nat Mayer Shapiro : La rigueur et la joie
Nat Mayer Shapiro
- Silvana Editoriale
- 16 Janvier 2025
- 9788836655625
Nat Mayer Shapiro explore des lieux inédits, faits de lignes et de couleur, dans une géométrie du hasard et de l'impulsion. Avec ironie et une légèreté presque enfantine, il déploie un esprit curieux et facétieux, un sens de l'humour poétique, et titille le sacré. La ligne se joue de l'espace ; tantôt aérienne, tantôt foisonnante, toujours organisée. Avec des clins d'oeil à Klee, Kandinsky ou à l'op art, il affirme son style propre et sa personnalité, alliant abstraction et figuration, dynamique et clarté de la composition, ligne et profondeur, et modulation de la gamme chromatique.
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Viser juste : Pétanque et jeu provençal dans l'objectif de Hans Silvester
Collectif
- Silvana
- 28 Août 2024
- 9788836656462
Dans les années 1960-1970, le photographe Hans Silvester découvre la pétanque et le jeu provençal. Des villages du Luberon ou du Pays d'Arles, jusqu'à Marseille ou Saint-Tropez, le photographe se fait une place dans les cercles de joueurs. Par un patient travail d'observation, il capte les multiples facettes de cet univers, dépassant le cliché du simple divertissement convivial.
Ses images immortalisent les gestes techniques autant que la sociabilité qui s'organise autour des joueurs de boules. Il en résulte une galerie de portraits surprenants, pris sur le vif dans des cadres qui reflètent la diversité de la Provence.
L'exposition Viser juste : pétanque et jeu provençal dans l'objectif de Hans Silvester présentée au Museon Arlaten-musée de Provence propose une approche transversale artistique, ethnographique et historique.
Cet ouvrage en est le reflet, il décrypte et détaille ce que les images suggèrent.
Né en 1938, Hans Silvester incarne la figure emblématique du photographe globetrotter. Ancien reporter de l'agence Rapho, il porte sur le monde un regard généreux et inquiet. Engagé dans la cause environnementale, il reçoit en 2022 le Prix international Planète Albert Kahn. -
Le crin dans tous ses éclats : Tissage d'une fibre d'exception
Collectif
- Silvana Editoriale
- 28 Août 2024
- 9788836658732
A l'occasion des Jeux olympiques et paralympiques de Paris 2024, et dans le cadre des épreuves équestres qui se déroulent à Versailles, ville voisine du musée de la Toile de Jouy, l'exposition Le Crin dans tous ses éclats. Tissage d'une fibre d'exception célèbre l'union entre l'univers du cheval et l'art textile. Elle met en avant ce matériau méconnu en tant que fibre tissée et en présente les caractéristiques physiques, techniques, artistiques et esthétiques. Le crin de cheval, en effet, est à la fois durable, résistant, rigide, noble, doux et brillant. C'est pourquoi, depuis le 18e siècle, on le plébiscite en Europe dans les domaines de l'habillement et de l'ameublement. Aujourd'hui, il inspire les créateurs contemporains, qui valorisent tout son caractère et sa noblesse dans leur démarche artistique. Au coeur d'un savoir-faire remarquable, le tissage du crin de cheval est encore porté en France par de rares artisans et par l'un des derniers ateliers à travailler cette fibre manuellement : rattaché à la maison Métaphores-Le Crin, créatrice et éditrice de tissus pour la décoration intérieure, il dompte cette matière grâce aux gestes et au regard minutieux des hommes et des femmes qui y créent des pièces d'exception.
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Le catalogue Gilbert Portanier : le chemin du rêve accompagne l'exposition éponyme qui se tient durant l'automne-hiver 2024 - 2025 au musée Magnelli, musée de la céramique.
Cette exposition retrace le parcours artistique d'un des grands noms de la céramique contemporaine, Gilbert Portanier, artiste emblématique de la ville de Vallauris, disparu en 2023. Surnommé à raison « le magicien des couleurs », ce céramiste français, né à Cannes en 1926, a indéniablement contribué au renouveau de la céramique française depuis les années 1950 jusqu'à nos jours.
L'exposition et le catalogue qui l'accompagne rendent hommage à un artiste dont le chemin du rêve a tracé une voie nouvelle dans l'art de la céramique. Les oeuvres de Gilbert Portanier nous invitent à un voyage onirique où l'imagination et la liberté créative sont les maîtres mots.
