To ensure the well-being of the planet, we need marketing heroes on the barricades for a sustainable future. Research shows that more than 80% of consumers are looking at companies to take the lead in this transition. At the same time, it appears that less than 10% of the messages about sustainability are credible to the public. Speak up Now! helps companies seize this historic opportunity and shows how we can make the shift to a world where business success goes hand in hand with the survival of the planet.
« La vie des femmes est un éternel recommencement. Chaque jour elles doivent prouver la légitimité de leur existence à part entière avec l'autre sexe. Chaque matin elles doivent être à la fois mères, amantes, travailleuses en assumant la charge mentale que nécessite ce détriplement de personnalité. Chaque jour des hommes disent aux femmes : «Ça va mieux aujourd'hui qu'avant, non ? Alors de quoi vous plaignez-vous ?». Les hommes ont raison mais partiellement car, s'il est indéniable que les droits et les acquis des femmes ont fait un bond vertigineux depuis plus d'un siècle en Occident, il n'en reste pas moins que la lutte pour l'égalité femme/homme n'est pas un chemin pavé de roses où les droits les plus fondamentaux sont sanctuarisés et acquis pour toujours.Aujourd'hui l'art n'est plus un interdit lorsqu'on naît de sexe féminin mais ce n'est pas pour autant que les obstacles sont tous levés. Ces femmes ont des destins extraordinaires, la force morale et psychique dont elles ont du faire preuve pour continuer à créer malgré les épreuves force l'admiration comme le constat qu'elles n'ont pas mis leur énergie à se faire connaître mais plutôt à persévérer.»Laure Adler
« Elle a des capacités d'expression plus grandes que les autres gens. Elle a l'impression qu'il n'y a pas de limites à ce qu'elle pourrait vivre. Et puis surtout, il n'y a personne d'autre qui vit comme elle, et ça, c'est une grande solitude. » Delphine Seyrig Son nom est connu de tous, pourtant que sait-on exactement de cette grande actrice aussi célèbre que Gambetta et Hugo comme le rapporte la presse de l'époque? Sarah Bernhardt (1844-1923) a été l'une des plus grandes tragédiennes françaises. Elle quitte la Comédie française et fonde en 1880 sa propre compagnie, avec laquelle elle participe à une tournée à travers le monde, au cours de laquelle elle acquiert un statut de véritable vedette internationale. Peintre, sculptrice, écrivaine, directrice de théâtre, elle a été par ailleurs actrice de cinéma, apparaissant dans une dizaine de films.
Ce livre, à travers une iconographie extrêmement riche, et de courts articles, tente de révéler les multiples visages de cette femme, artiste, engagée, patriote, ambassadrice du style parisien dans le but de répondre à cette question :
Mais qui êtes-vous donc Sarah Bernhardt ?
Every entrepreneur dreams to find a success formula to quickly go viral with his/her product or service. Carole Lamarque believes that this formula for success exists, in nature. It's called a Zoonotic: a virus that is spreading virally all over the world at lightning speed. In this book, she demonstrates with concrete examples how a zoonotic pandemic such as Covid-19 can inspire a successful viral business strategy.
Everyone Can Lead addresses the essential question of leadership: how do you bring out the best in yourself and in others? Starting from the premise that a better understanding of how to lead begins with a better understanding of ourselves, the author encourages reflection and helps frame the choices and actions that will lead to better working relationships, better results, and more happiness at work. This no-nonsense, practical book is filled with examples and exercises that everyone from individual employees to CEOs can use immediately. HR managers and general management can work with these concepts and strategies to optimize the potential in their organization by focusing on personal leadership.
"A fabulous book: insightful, useful and timely! This page-turner takes you on a journey through great psychological research, interesting stories and practical techniques. You will arrive equipped for a life of more control, more optimism and less stress." Tony Crabbe, business psychologist and author of Busy. How to Thrive in a World of Too Much.
"Technology allows us to rethink companies, organizations, how we run them and how we manage them. However, the most essential element in achieving success will not be technology, but whether we humans can adapt, cope and thrive. This inspiring book is a brilliant field guide on how to use the power of our minds to harness the power of flow and build organizations for resilience." Peter Hinssen, entrepreneur, keynote speaker and author of The Day After Tomorrow. How to Survive in Times of Radical Innovations.
Every crisis is also an opportunity. We know what we need to do to make our lives and work more brain-friendly, but somehow, we are still not putting that knowledge into practice. Covid-19 has forced us into one of the biggest experiments in resilience of all time. What if we see this crisis as an opportunity for a genuine transformation? A chance to adopt new habits that will make us stronger than ever and help us face a volatile future? In her ground-breaking new book, Elke Geraerts shows us how we can all be ready for the many challenges awaiting us in a post-covid-19 world. Her approach takes the brain as the starting point and inspires you to make brain-aware choices in work and in life. She shows how hybrid work can both increase your productivity and reduce stress, how you can chase your dreams even in times of crisis and why - in an increasingly digital world - focus is the new IQ. The old normal will never return... but perhaps that is not such a bad thing!
En définissant l'histoire de l'art comme «discipline humaniste», Erwin Panofsky entendait un tel humanisme dans la perspective de cette longue tradition, éthique autant qu'érudite, qui court depuis l'Antiquité et aura trouvé sa moderne reformulation chez Kant. L'humanisme s'entendait aussi dans son acception historique de moment crucial pour la culture occidentale, à savoir la Renaissance italienne et nordique. C'est un fait frappant que l'histoire de l'art s'est souvent refondée dans sa propre méthode à partir d'une vision renouvelée qu'elle pouvait offrir de cette période fascinante et initiatique à bien des égards.Mais il faut compléter cette histoire de l'art par une anthropologie des images, des regards, des relations de ressemblance. Et renouer par là avec le point de vue d'Aby Warburg, pour qui l'humanisme fut un âge non seulement de conquêtes majeures, mais aussi d'inquiétudes, de tensions, de crises, de conflits. Cet ouvrage réunit une série d'études où l'humanisme renaissant se révèle altéré dans certains objets figuratifs. On y découvre comment la ressemblance inquiète autant qu'elle s'inquiète, délivrant ses symptômes par-delà tous les signes iconographiques qu'on peut y reconnaître. Qu'il s'agisse de la Peste noire, de l'expression pathétique, du portrait ou des multiples usages figuratifs de la cire, dans tous les cas l'humanisme aura montré son malaise impensé, sa fêlure constitutive : une fatale altération qui est vocation à l'altérité.
The spread of capsular civilization is a worst-case scenario that is taking shape before our very eyes, without us even being aware of it. In the face of the speed of our technology, the suburbanization of our daily lives and the ever more extreme but poignant polarization of our society, we feel obliged to return to the capsules of our vehicles, in architectural cocoons or urbanistic enclaves: malls, gated communities, amusement parks. Since September 11, the war in Iraq and the War on Terrorism, it has been almost impossible to dissociate architecture from its political and social context. Add to this the massive influence of capitalism on architecture, the disturbing demographic developments and the associated political, social and ecological catastrophes, and you get the robotic snapshot of a society dominated by fear, exclusion and simulation. De Cauter sketches a realistic and alarming account of the new world order that is an everyday concern for the architects and planners of the contemporary city as well as for its inhabitants and users.
'All new technology is accompanied with great expectations on the one hand and great fear on the other. Thierry Geerts reduces the digital revolution to its true proportions and shows that we control the impact of technology ourselves: technology becomes what we make of it. Few are better placed than the author to clearly define the potential, the tasks, and the responsibility that awaits each and every one of us.' - Caroline Pauwels, rector of the VUB 'After Digitalis drew up the contours of the new digital world, Homo digitalis now describes how we can appropriate it so that digitalisation will benefit humanity. But instead of trying to convince at all costs, Thierry Geerts puts things in perspective. With great expertise, he guides us through numerous groundbreaking initiatives that start-ups and companies in Europe have often developed.'- Alain Gerlache, journalist 'This book couldn't have come out at a better time. Change can be scary for many, but above all, it brings many opportunities. Thierry Geerts fantastically explains how Digitalis can be an inclusive place where social mobility and equality are self-evident. Now it's up to our entrepreneurs, policymakers, and each of us as individuals to gear up and resolutely opt for the digital future.' - Yasmien Naciri, entrepreneur and marketer 'Think about the reasons for technology. That is the challenge that Thierry Geerts takes on with gusto and enthusiasm in this fascinating book.' - Laurent Hublet, co-founder and CEO of BeCentral, the largest digitalis campus in Europe In Homo digitalis, Thierry Geerts, CEO of Google Belgium and Luxembourg, looks at the dangers and opportunities of the digital revolution. Without taboos and with an eye to the future, he offers thoughtful examples of how digitalisation affects us as people and as a society. His conclusion is clear: technology is neutral, and it's up to people to use it consciously and confidently. If we do that, digitalisation will make us happier, with more time for creativity, personal development, healthcare, and the things that really matter. Then we'll become more human and we homo sapiens will turn into homo digitalis.
How can you turn your customers into ambassadors for your brand? How can you map out your own network? How can you achieve maximum results with limited resources? Brand ambassadorship is the best way to predict the future growth and success of your company. Google, Tesla and Apple all use ambassadorship to ensure their continued expansion. It is a highly valuable and effective marketing channel that can be actively used by companies of all sizes to achieve the most remarkable results. Create Your Own Superfans is a clear and practical guidebook for successfully dealing with all matters related to brand ambassadors, recommendations and word-of mouth advertising. A series of concrete cases, fascinating stories and useful tips will allow you to discover just how powerful brand ambassador marketing truly is and how you can ensure that your customers and your employees talk positively about your company and recommend it to others.
À l'origine était la femme, plurielle par nature, tour à tour objet d'amour, de fascination et de crainte. De la Vénus de Willendorf, image d'un idéal féminin tout-puissant, à la Mariée de Niki de Saint-Phalle, offrant le regard de la femme artiste sur sa propre destinée, la quête de l'éternel féminin jalonne l'histoire de l'art depuis les temps les plus anciens. Figures mythiques et tutélaires, les héroïnes amoureuses, d'Eve à Rita Hayworth et de Bethsabée à Camille Claudel, se révèlent brutales ou tendres, ambitieuses parfois, mais toujours ensorceleuses : dangereuses pour les autres et pour elles-mêmes. Parcourant cette galerie des amantes fatales, Laure Adler et Élisa Lécosse proposent un décryptage passionnant d'une histoire trop longtemps laissée aux seuls mains et regards des hommes. Explorant les archétypes, les codes de l'histoire de l'art et leur détournement au fil des époques, elles analysent le lent basculement des femmes vers l'autonomie amoureuse et la reconnaissance du corps et du désir.
Des peintures d'histoire de Benjamin West aux installations de Kara Walker, en passant par les oeuvres de Mary Cassatt, de Georgia O'Keeffe ou encore de Jean-Michel Basquiat, cet ouvrage est une invitation à parcourir deux cent cinquante ans d'art des États-Unis. Il donne à entendre la multiplicité des voix qui se sont exprimées sur ces arts visuels, grâce à une vaste sélection de textes historiques - écrits d'artistes, de critiques, de mécènes, de figures littéraires et autres commentateurs et commentatrices. Contextualisés par des essais introductifs et des notes explicatives, ces textes, réunis en chapitres chronologiques, sont accompagnés de reproductions d'oeuvres phares, d'une chronologie des événements historiques ainsi que de cartes. Ces ressources contribuent à offrir un panorama d'une ampleur inédite sur les questions esthétiques mais aussi sociales et politiques liées aux arts visuels des États-Unis. Outil unique pour la compréhension de l'art américain, ce livre s'adresse aussi bien à un lectorat universitaire, auquel il offre un cadre d'étude et de pensée critique, qu'à un public amateur d'art souhaitant découvrir l'évolution des points de vue et des discours au fil des siècles.
Dès son titre, l'ouvrage annonce le tournant opéré par la modernité. Benjamin montre dans cet essai lumineux et dense que l'avènement de la photographie, puis du cinéma, n'est pas l'apparition d'une simple technique nouvelle, mais qu'il bouleverse de fond en comble le statut de l'oeuvre d'art, en lui ôtant ce que Benjamin nomme son "aura". C'est désormais la reproduction qui s'expose, mettant en valeur la possibilité pour l'oeuvre d'art de se retrouver n'importe où. Capacité à circuler qui la transforme en marchandise. Benjamin met au jour les conséquences immenses de cette révolution, bien au-delà de la sphère artistique, dans tout le champ social et politique. Avec le cinéma, c'est la technique de reproduction elle-même qui désormais produit l'oeuvre d'art. Là, c'est l'image de l'acteur qui devient marchandise, consommée par le public qui constitue son marché. La massification du public de ces oeuvres a servi les totalitarismes. D'où "l'esthétisation de la politique" encouragée par le fascisme et la "politisation de l'art" défendue par le communisme.
Pendant longtemps, la majorité des femmes surent lire, mais pas écrire, l'écrit restant, dans la répartition traditionnelle des tâches entre les sexes, la chasse gardée des hommes. Quand elles accédèrent enfin au droit à l'écriture, elles durent mener une lutte encore plus longue, celle de la reconnaissance de leur production écrite.Alors que la plupart de ces femmes aspiraient à une vie sans contrainte, où elles auraient pu exprimer librement leur art, les obstacles qui ne cessèrent en effet de se dresser devant elles - trouver du temps pour écrire constituant déjà une tâche en soi - les vouèrent à un anticonformisme qui les mettait en danger.À ces contraintes sociales s'ajouta une pression intérieure, une quête inconditionnelle d'authenticité qui, entravée, put les mener à la folie ou au suicide.Cet ouvrage dresse le portrait d'une cinquantaine de ces auteures, depuis le Moyen Âge avec Hildegarde de Bingen et Christine de Pisan, jusqu'à l'époque contemporaine avec Carson McCullers, Marguerite Yourcenar, Anaïs Nin, Simone de Beauvoir, Marguerite Duras, Françoise Sagan - ou plus récemment Toni Morrison, Isabel Allende ou Arundhati Roy - en passant par les incontournables soeurs Brontë, George Sand, Colette, Virginia Woolf ou Karen Blixen.
Du temple de Louxor à la basilique Saint-Pierre, en passant par l'Empire State Building, la Cité Radieuse de Le Corbusier, « l'architecture numérique » de Frank Gehry, le Taj Mahal, la Cité interdite ou les constructions Art Nouveau d'Antón Gaudí, cet ouvrage complet présente l'évolution passionnante de l'architecture mondiale.
- Tous les mouvements clés de l'histoire de l'architecture - Les grandes révolutions techniques - 150 monuments analysés - Plus de 1600 illustrations commentées - Biographies des architectes - Tous les outils indispensables : repères chronologiques, détails, glossaire, index.
Mêlant récit romanesque et enquête historique, l'auteur raconte l'histoire d'un tableau célèbre.
La Naissance de Vénus, est avec le Printemps, une des oeuvres majeures de Sandro Botticelli. Elle symbolise à elle seule l'esprit de la Renaissance. Au cours des cinq siècles qui ont suivi sa création, l'image iconique de " Vénus sortant des eaux " est devenue la représentation même de la beauté universelle.
Mais que cache le regard triste de la déesse ? Et que raconte le sujet, aux fortes inspirations mythologiques, des histoires et des tragédies de son temps ?
L'auteur mène l'enquête à Florence durant la décennie qui précède l'oeuvre. Il dévoile l'extraordinaire apparition de Simonetta Cattaneo Vespucci qui, par sa beauté " sans nulle pareille " dirent les Florentins, emporta le coeur des Médicis, des humanistes et des peintres.
Après sa disparition tragique à l'âge de vingt-deux ans, Botticelli en fit sa divine muse et, trente-cinq ans plus tard, souhaita être enterré à ses pieds. L'explosion de sentiments, encore palpable de nos jours, que suscita la " bella Simonetta ", nous plonge au coeur de la cité de toutes les passions.
Quels sont les pouvoirs de la couleur ? Comment agit-elle sur notre conscience profonde ? Quelle est la situation créatrice de l'homme dans notre société actuelle ?Écrit en 1910 alors que l'artiste venait de peindre son premier tableau abstrait, nourri des observations et des expériences accumulées peu à peu, ce livre compte parmi les textes théoriques essentiels qui ont changé le cours de l'art moderne.
Des accumulations des tombeaux égyptiens ou chinois et des trésors royaux jusqu'à notre Louvre d'aujourd'hui, entre autres lieux, il faudra du temps pour que le musée trouve sa forme et sa fonction de conservation, d'étude et d'exposition des objets. Or, une histoire mondiale des musées, à la fois politique, sociale et culturelle, n'a encore jamais été écrite. La voici : Le Musée, une histoire mondiale, en trois tomes qui paraîtront sur deux ans.Le premier volume de cette monumentale entreprise, Du trésor au musée, part d'un passé éloigné pour arriver à la création de l'institution appelée «musée», inventée en Italie à la fin du XV? siècle, gagnant toute l'Europe au XVIII?. Une histoire faite de dons et de marchandises, de vols et de pillages, de guerres et de diplomatie. Et aussi d'architecture, de manière de contempler et de manier les objets, de problèmes juridiques et d'organisation, avant les vastes débats d'exposition, d'éclairage, d'accrochage qui suivront. Une histoire d'art, mais aussi de commerce, de savoirs, de techniques.La richesse de l'illustration qui s'appuie sur un texte lumineux donneront envie à tout en chacun de retourner enfin dans ce «lieu bien étrange , comme le déclare Krzysztof Pomian en ouverture de son ouvrage : le musée.
«On ne naît pas artiste mais on le devient. Du plus loin qu'on s'en souvienne, l'histoire de l'art a été pensée, écrite, publiée, transmise par des hommes. Et quand on est née femme, être artiste, le prouver, y avoir accès, produire, montrer, continuer à le demeurer est un combat permanent, dangereux, épuisant physiquement, intellectuellement et psychiquement. Le temps semble aujourd'hui propice pour revisiter et regarder autrement les créations de celles qui ont eu le courage de défier les règles pour assouvir leur vocation.»
Ce coffret met à l'honneur le thème des fleurs, et plus généralement de la nature, si importants dans l'art japonais, à travers une sélection des plus célèbres estampes du genre ancestral du kachô-ga, ces « images de fleurs et d'animaux », de l'époque d'Hokusai au début du xxe siècle.
Dès le début du xixe siècle, face à la politique d'isolationnisme du pays, les Japonais aspirent à plus de liberté, et trouvent dans la nature une échappatoire à la claustration ambiante et à l'asphyxie qui les menace à terme.
Renouer avec la nature, écouter le rythme des saisons, admirer les fleurs de pruniers ou de cerisiers, goûter la fraîcheur du soir, contempler les premières neiges, ou surprendre l'envol des grues ou des oies sauvages sont autant d'occasions de longs voyages ou de simples promenades.
Hokusai et Hiroshige saisissent cette évolution de la société japonaise, qu'ils transcendent dans leurs magnifiques estampes de fleurs.
Conjuguant réalisme et spiritualité, observation directe et interprétation tout empreinte de shintoïsme et de bouddhisme, Hokusai (1760-1849), et Hiroshige (1797-1858) portent à sa perfection la représentation d'une nature magnifiée. Partant tous deux de l'observation de la faune et de la flore, ils en expriment, par des styles différents, la permanence et l'état d'éternel recommencement, en même temps que le caractère fragile et éphémère.
Aucun grand maître de l'estampe n'a capturé aussi bien l'âme de la nature japonaise qu'Hokusai. Pour Edmond de Goncourt, c'est « le peintre universel qui, avec le dessin le plus vivant, a reproduit l'homme, la femme, l'oiseau, le poisson, l'arbre, la fleur, le brin d'herbe [...] qui a fait entrer, en son oeuvre, l'humanité entière de son pays ».
Ces deux grands noms de l'estampe vont inspirer nombre d'artistes, ceux notamment du mouvement shin-hanga (« nouvelles gravures »), tels Imao Keinen (1845-1924) ou Ohara Koson (1877-1945), qui vont à leur tour célébrer les fleurs et la nature, et se passionner pour leurs plus infimes variations, puisant dans leurs formes et leurs textures une formidable source d'inspiration graphique Cette sélection des plus belles estampes dédiées aux fleurs ne se veut pas simplement descriptive mais elle révèle comment les artistes les rêvent, les fantasment et leur donnent une force symbolique propre. Les fleurs deviennent ainsi l'expression des émotions, mais aussi celle d'un rapport profond avec la nature, plus que jamais au coeur des questionnements actuels.
Le 12 août 1988, le peintre noir américain jean-michel basquiat était trouvé mort, sans doute d'une overdose, dans son loft de great jones street, la tête tournée vers le ventilateur.
Il avait 27 ans. l'enfant de brooklyn, le gras de soho qui signait sous le nom de samo, venait de traverser les années quatre-vingt et le monde de l'art con une météorite laissant dans son sillage plus de huit cents tableaux et deux mille dessins qui continuent d'illumine le ciel de la peinture d'un éclat nonpareil. c'est à sa manière digressive, vagabonde et fragmentaire jean-jacques salgon nous emmène à la rencontre de cet artiste, de son univers et de son oeuvre.
Attentif aux traces, aux moindres signes qui pourraient soudain e en résonance avec sa propre vie, il reste en ce sens fidèle à celui qui déclarait un jour à un journaliste : " je ne pense pas à l'art quand je travaille, j'essaie de penser à la vie. "
Fier et rutilant, le rouge est ambivalent. On trouve des cardinaux solennels, des aguicheuses à la robe carmin, des saints ensanglantés et des élégantes écarlates : un panel de tout ce qui fait l'humanité. Le rouge de Rothko est spirituel, celui de Delance est politique. Il est festif chez Boldini, gourmand chez Chardin.
Ça, c'est de l'art, une collection pour (re)découvrir l'art en 40 notices illustrées :
- Une sélection précise d'oeoeuvres incontournables et inattendues - Des repères visuels clairs : chronologies, cartes, graphiques - Des encadrés variés : anecdotes, mises en contexte, influences
Fragiles et singulières, les cabanes sont construites sans plan préconçu. Elles abritent des individus qui n'y habitent jamais véritablement. Aux marges des sociétés elles recomposent une certaine idée de la nature à laquelle nous désirons nous confronter.
Cette ambivalence fondamentale fait de la cabane un lieu de contradictions où coexistent le haut et le bas, l'ouvert et le fermé, le jeu et le sérieux.
Une nouvelle note enrichit cette édition. Entre le désir de solitude qui caractérise bien notre rapport aux cabanes et une aspiration profonde à une vie commune. C'est ainsi qu'ont les retrouve souvent aujourd'hui au coeur des luttes sociales, comme on l'a constaté au moment de la création de la ZAD de Notre-Dame des Landes ou encore de ce que l'on appelé la jungle de Calais.
L'objet que se donne la peinture chinoise est de créer un microcosme, « plus vrai que la Nature elle-même » (Tsung Ping) : ceci ne s'obtient qu'en restituant les souffles vitaux qui animent l'Univers ; aussi le peintre cherche-t-il à capter les lignes internes des choses et à fixer les relations qu'elles entretiennent entre elles, d'où l'importance du trait. Mais ces lignes de force ne peuvent s'incarner que sur un fond qui est le Vide. Il faut donc réaliser le Vide sur la toile, entre les éléments et dans le trait même.
C'est autour de ce Vide que s'organisent toutes les autres notions de la peinture chinoise ; celles-ci forment un système signifiant auquel François Cheng est le premier à appliquer une analyse sémiologique. Son commentaire est enrichi par d'amples citations et des reproductions.
